2025年5月18日(日)14：00～　＠湾岸劇場博多扇貝

●「受胎の森」ゴブノタマシイ

脚本・演出：あおい　みき

出演：松本征也(最新旧型機クロックアップ・サイリックス)、白川宏治、景乙（最新旧型機クロックアップ・サイリックス）、馬場佑介（Yb[イッテルビウム]）、坂井籍暁、田村ちほ（Yb[イッテルビウム]）、大谷豪

照明：出田浩志（stage lighting 大黒屋）

音響：青井美貴（最新旧型機クロックアップ・サイリックス）

装置：安部将吾（南無サンダー）

チラシ制作：わっきー

声の協力：山田彩加、峰尾かおり

　らい病患者の苦しみ、隔離された療養所の孤独と非人道性、らい予防法の問題について、真正面から描いた意欲作である。

　福岡において、具体的な差別問題をテーマに芝居を作る人々がいることに（しかも若い役者たちである）驚いた。なぜなら、（雑な表現だが言葉を選ばずに書けば）多くの人に「テーマとして受け入れられやすい」差別問題と、そうでないものとがあると感じているからだ。例えばジェンダーがテーマなら理解も賛同も得やすいだろう。現代ならセクシュアリティについても同様だ。人種問題も数多く舞台で扱われてきた。だが、らい病の社会的問題を若い劇団が芝居にするのは様相が異なる気がする。いろんな理由があるけれど、一つには現在において多くの人が共有する問題とされていないことがあるだろう（もちろん、裁判に決着がついたのは数年前だし、それも実名を伏せての原告だったことからわかるように、いまだに差別や偏見が根強く、この問題が終わっていないことは強調しておく）。病名程度しか知らないという若い人もいるかもしれない。言い換えると社会が封印してきた負の歴史の箱を、若い役者たちが開けたのが本公演ということになる。

　内容は、開演前に脚本・演出をしたあおいみきが説明したように北条民雄の『癩院受胎』を基にした創作である。人里離れた療養所内を舞台にしていること、そこに住む舟木家の兄妹、その妹・カヤコが同じ療養所内の久留米と恋仲になり子を孕むこと、兄の舟木は病気で肉体が朽ちていっても美しい精神は育つと主張し、他方で久留米は肉体に固執し病で蝕まれることを肉体の敗北だと言うこと、そして久留米は自殺をすること、それらをつぶさに見ながら自らもらい病患者である成瀬が小説を書き続ける…登場人物も大筋も確かに『癩院受胎』に倣っている。

　ただ本作『受胎の森』は、これを「遺された未完の小説」として、数十年後の現在、発見されたという構造を取る。小説の内容を演じる層と、閉鎖される療養所の図書館でそれを発見する現代の層という二つから成っているのだ。過去と現在を結びつけることは、本作においてとても大きな意味を持っている。それは作者の、現在も「まだ終わっていない」問題だという示唆であり、らい病に限らず「自分事の」差別の問題として捉えるべきだという主張だからである。（と私は受け取った）

　その一つが、「らい予防法」という言葉を出し明確に悪法として糾弾し、治療薬ができた後もその法律は生き続け40数年後にようやく廃止されたという事実をはっきりと批判するシーンを加えていること――そこにとどまらず「これが君たちの物語の終わりなのか」と問う点である。最後の入居者が亡くなればすべての問題は終わりになり、悲惨で残酷な事実も憎しみも悲しみも忘れ去られ、やがてなかったことにされていく…それが君たちの物語の終わりなのか？　過去を封印する行為は卑怯で愚かである（知らないことも同罪である）という強いメッセージだ。

　現代でその未完の小説を発見したケンイチが、らい病患者や著者の成瀬に自分を重ね、苦しくても生き続け（自分の物語を書き続け）ていかねばならないと決意する点も大きなポイントだろう。「忘れないこと」は、過去と今を断絶させないことである。そしてらい病が治る病になった現代だってそれに代わる何かが違う形で差別を生んでいるのかもしれない。繋げろ、自分事として考えろと言っているのだ。この点も評価したい。ただし、物語を引き継ぐというケンイチのバックグラウンドが、「期待されていたのにプレッシャーに負け受験に失敗し、暴力をふるい、社会不適合者として見捨てられてしまう」という設定はあまりにも弱い。病気と国によって理不尽に人生を奪われたらい病患者たちとケンイチの境遇を同列に扱うのは無理がある。この設定には不満が残った。

　個人的に興味深いと思ったのは、執筆をつづける成瀬に対して、成瀬の「思想」として阿久津という男を登場させている点だ。それも作家あおいみきがオリジナルだ。私の理解ではこの阿久津という男は実在しないのだが（あるいは『癩院受胎』の作者北条民雄の分身か）、芝居の後半で阿久津を演じる大谷豪が現代において療養所の図書館を管理していた者としてケンイチの前に現れることに胸が詰まる。小説の中で舟木と久留米が「肉体は朽ちかけても精神は育つ」「肉体が滅びることを前に精神の成熟は意味がない」といった心身を二つに分けて議論するのだが、まさに成瀬の肉体がらい病に侵されていく一方で、尊厳・知性・思想は侵されまいとする作家のゆずれない思いが阿久津の存在として現れているとみることができるからだ。そして阿久津のような人が、療養所の「知」としての図書館の管理人として登場する…同じ役者を使うことでうまく表現で来ていてなるほどと思う。

　惜しむらくは、多くの役者たちの芝居が大仰だったこと。肩に力が入りすぎているように感じられた。大谷の演技にはそれがなくホッとしたが、ラストで彼の写真を出したことで笑いが起きてしまい（彼のせいではない）、作品の空気が一変して残念だった。

　「もーいいかい」「まーだだよ」、劇中で何度も響くかくれんぼのやりとりにも意味を持たせ、ぶれない作品ができあがったと思う。

2025年3月30日（日）13：00～＠cobaco ohori house

●『人形の家をたずねて』

出演：高橋克昌（演劇創作館　椿楼）、藤嶋美月、加茂慶太郎

原作：イプセン『人形の家』

構成・演出：加茂慶太郎

制作：穴井豊太郎

主催：加茂慶太郎

共催：gallery cobaco

　大濠の一角にある小さなゲストハウスcobaco ohori house、小さな間口から靴を脱いで入ると小さくてこぎれいなリビングが待っていた。奥にはオープンキッチンと大きなテーブルがあり、パソコンが一台。画面は「古典戯曲研究会」と出ている。

　本作は高橋克昌（演劇創作館　椿楼）と加茂慶太郎が「古典戯曲研究会」を、今回だけ特別にオープンにしながら進めていく…という体(てい)の作品だ。「ここは通常はゲストハウスであるけれど、事情によって貸してもらえることになった」という説明の後に、二人の研究会が始まる。取り上げる作品はイプセンの『人形の家』。ところがその最中に、ゲストハウスの泊り客らしい女性が現れて、料理を作って姿を消し、料理ができ上った頃に再び現れて同じテーブルで食べ始め、片付けた後には奥の浴室に行こうとする…。

　家を使って、家を出ていく女性についての戯曲を考える、という設定は良いと思う。イプセンがまさに描いているように、家は様々なものの象徴であるから。そして同時にここが「本当の家ではない（ゲストハウス）」ことも意味を持たせることは可能。フムフム…と思って見ていたのだが…。

　せっかくノラの話、女性の話、家の話（の戯曲）を扱っているのだから、もう少し現実の女性（藤嶋美月）の存在を活かせなかったのかというのが何よりも感想である。例えば、「偉そうに」男二人がノラ（に代表される当時の女性たちが置かれていた状況）について論じているにもかかわらず、何も分かっていないのだということを突き付ける皮肉な存在にする、とか。つまりイプセンの時代の話かと思えば現代の話になっていたという描き方にするわけだ。また例えば、時間軸をパラレルにしてこの女性だけノラの時代を生きる者として、ノラとしての言葉（家を出ていく前のノラにしてもいいし家を出て一人なったノラにしてもいい）をつぶやかせるのも面白い気がする。「家」や「一人の女性」などキーになる要素を並べたのに、それだけで終わっているという印象なのがとても残念である。

　要因の一つは研究会として男二人が話す内容にもある。二人の会話はおおよその流れだけ決めて後はアドリブだったのではないかと思うが（わからない）、あらすじの説明に時間がかかったせいか、二人の『人形の家』の解釈が深くなかったのだ。この話は何を言いたいのか、ノラの存在とは何なのか、夫は何を考えているのか、この時代について、現代から見て違和感があるのはどの点か、現代との共通点はどこか、現代でも上演され続ける理由は何か…。本当の研究会よろしくそれらを深く議論していれば、様々な解釈を披露していれば、観客は解釈と女性を結び付けて勝手に「読み込んで」くれることも可能だった（ちなみに、解釈は二人のオリジナルである必要はない）。研究会の内容こそを演劇的に固めておくべきだったと思う。

　ちょっとワクワクして始まっただけに…観客に「考えさせる何か」を与えなかったのがとても残念である。