2024年3月9日（土）13：00～　＠J:COM北九州芸術劇場　中劇場

●インヘリタンス―継承―

作：マシュー・ロペス

演出：熊林弘高

訳：早船歌江子

ドラマターグ：田丸一宏

出演：福士誠治、田中俊介、新原泰佑、柾木玲弥、百瀬朔、野村祐希、佐藤峻輔、久具巨林、山本直寛、山森大輔、岩瀬亮、篠井英介、山路和弘、麻実れい

美術：二村周作

照明：佐藤啓

映像:松澤延拓

音響：長野朋美（オフィス新音）

衣裳；伊藤佐智子（ブリュッケ）

ヘアメイク：稲垣亮弐

ムーブメント：柳本雅寛

インティマシーコーディネート：西山ももこ

舞台監督：齋藤英明

大道具：伊藤清二（C-COM）

小道具:西村太志（高津装飾美術）

広報：森明晞子

　これは「記憶」の継承である。

　わずか数十年の、それもアメリカ社会に限定した話ではあるが、性的マイノリティ（本作では男性同性愛者・ゲイに特化している）がこの異性愛社会でどのように生きてきたのか、その記憶のバトンを渡していく作品である。冒頭で響く言葉「彼らには語るべき物語がある」――それは、個人やそのカップルたち固有の物語でありながら、同時にゲイとそのコミュニティの普遍的な物語である。

　物語の主軸となるのは2組のカップル。30代のエリック（福士誠治）と劇作家のトビー（田中俊介）、初老の不動産王ヘンリー（山路和弘）とウォルター（篠井英介）だ。彼らの人生を通して、ゲイが生きにくかった時代からエイズ禍、そして同性婚が認められた現代までの歴史が描かれる。

　歴史…とはいえ、描かれるのは基本的に個人的な話だ。痴話げんか、浮気による関係の破綻、失恋、恋人の元彼の存在（本作では元彼ではなく男娼だった恋人の「元客」なのだが）、病気、死。例えばこれを男女のカップルに置き換えても少し手を加えるだけで十分に成り立つほど、「よくある個人的な話」である。ところがそれが男性同士のカップルになった途端に、あらゆる面において社会的な意味が付加されてしまう。恋愛関係は隠さねばならず、欲望に満ちた出会いの場は性暴力の温床であり社会からは「HIVウィルスの温床」といった偏見の目にさらされることになり（だから性暴力の問題が顕在化しにくい）、エイズはゲイの病気だとの偏見が流布し、単なる婚姻にこぎつけるまでに長い年月を要し、（それらの問題によって）一人で最期を迎える者も多くいるだろう。

　だから、彼らは生きるだけで「政治的な存在」にならざるを得ない。生きるだけで戦わざるを得ない。大文字の政治という点では、どの政党が政権を握るかは彼らにとって死活問題である。新しい恋人が共産党支持者と分かったとたん長年の友達がエリックから離れていったことからわかるように、彼らにとってそれは単なる主義主張の違いではない。暴力的に抑圧され、権利を取り上げられ、差別が助長される…作中でヒラリーか「あの男」か（名前すら出されない）の大統領選挙のシーンが大きな意味を持つのは、その結果によってアメリカでゲイとして安心して生きていけるかどうか大きく変わるからである。（「あの男」が再選される可能性がある2024年現在、これは物語ではなく「現実」だと改めて思った））

　小文字の政治という点でも、いくつものセリフがそれを反映している。例えば、「『ゲイ隠し』（の時代）が懐かしい、今やゲイが文化的指標になっている、ゲイカルチャーを盗用し…」といった一連のセリフ（注：正確ではない）。解釈するなら「ゲイ文化ってなんかお洒落だよね」という好意的「持ち上げ」方をされる時代にもなったけれど、それは決して喜ばしいことではない…なぜなら都合の良いところだけを「評価する・受け入れる」という上から目線の傲慢さの表れであり、イメージの反転に過ぎないし（つまりは一方的で独断的）、またその像に合致しないゲイの存在を認めないことにつながるし、ゲイコミュニティーの文化が都合よく異性愛社会に盗用され消費されているのだと感じる…それぐらいなら大切なものを守るという点ではゲイであることを隠していた時代を懐かしく思う…といった所だろうか。異性愛社会の中でゲイが生きていく事は、本人が望まなくても政治的存在にならざるを得ないということなのだ。

　「認知されるために頑張ってきた。でも文化的認知とゲイの認知は違う」というセリフもそうだ。ありのままの存在を認めてもらうという当たり前のささやかな要求が、なぜジャッジされ、否定され、戦わねばならないのか。テンポの良いセリフの応酬の中に彼らの苦しみや憤りや呆れや悲しみが詰まっている。

　ラストになって、今見たこの「物語」が、登場人物の一人であるレオの小説だったのだと気がつく。演出の熊林弘高は、舞台上に枠を作りその中でエリックたちの物語を展開させ、枠の外に置かれた椅子に小説家が座って、始終その物語を眺めているという構図を作った。（冒頭で小説家志願の青年たちにこの小説家が、なぜ書くのか、何を書きたいのかを問う形で本作が始まる。その小説家が枠の外から「物語」を見ているという構図だ）最初はこの小説家の「傍観」を「無責任な傍観者の私（たち）」に重ね合わせているのかと勘ぐりもしたが、いや、むしろ彼のまなざしは優しい。そこで改めて冒頭をふり返ると、本作が「いっそのことヘレンの手紙から始めよう」という『ハワーズ・エンド』の冒頭から始まっていたことを思い出し、つまりはこの小説家こそが『ハワーズ・エンド』の作者Ｅ・М・フォスターなのだと気がついた。（マシュー・ロペスが、『ハワーズ・エンド』にインスパイアされて本作を書いたと後から知った。）ゲイたちの物語、を書いたレオの物語、をフォスターが穏やかに見守っているという入れ子構造だったのだ。その構造が、「大切な物語を幾重もの箱にしまっている」姿にも見える。

　誰かを愛し、生きたこと。その存在の記憶を書き留めて繋いでいくこと。見終わってしみじみとその意味が身体に染みわたっていく。役者たちの演技は、新鮮で、生々しく、激しく、美しく、痛々しく、哀しく、「生」そのもの。どの存在も包み込んであげたいと思った。人を大切に愛しみたい、誰もがそんな存在であるし、そうできる人でありたいと、強く思える作品である。

2024年2月25日（日）11：00～　＠さいとぴあ多目的ホール

『注文の多い料理店』

注文の多い舞台公演実行委員会

原作：宮沢賢治

脚本・演出：中嶋さと

出演：中嶋さと（FOURTEEN PLUS 14＋）、百田彩乃（だーのだんす）、古澤大輔（FOURTEEN PLUS 14＋　劇団ショーマンシップ）

舞台手話通訳：野上まり（TA-net/福岡ろう劇団博多）

字幕：宮本聡（九州大学人間環境学研究院）

手話監修：八百谷梨江（TA-net）、福岡ろう劇団博多

舞台監督：吉田忠司（FOURTEEN PLUS 14＋）

照明：中山京（good Light）

音響：諌山和重（Ride on CLAPS）

衣裳：倉智恵美子

音楽：吉川達也、岡田涼生

振付：百田彩乃（だーのだんす）

　演出家・中嶋さと（FOURTEEN PLUS　14＋）が難聴者も楽しめる舞台作品を初めて手掛けたのは、2023年1月の『注文の多い料理店』だった（第二弾とはカフカの『変身』）。今回はその『注文の多い料理店』を、出演者や演出を変更しての再演である。一つの作品を上演後は「終わり」にするのではなく、前作より伝わりやすく、よりわかりやすく、より面白くを目指して大事に作り直し続ける姿勢は評価に値する。1年ぶりの本作については備忘録程度になるが、気づいたことを記録しておきたい。以後、前作と表記するのは、2023年1月の『注文の多い料理店』のことを指す。

　前作との大きな違いは3つ。1点目は会場である。前作はぽんプラザホール（福岡市博多区）にて上演、平土間の舞台（客席が見おろす形）だった。今作の上演はさいとぴあ（福岡市西区）の多目的ホールで、舞台も使用してはいたが基本的にはその前面（舞台から階段を下りた地の部分、客席最前列の前のスペース）を使って演技をしていた。舞台上はスクリーン（字幕）がメイン。だが客席前スペースとの差異を利用する形で舞台を使ってもいた。例えば料理店の最後の扉を開けるシーンでは、舞台に上がる階段にライトを当てそこを登っていくことでクライマックス感を演出。また字幕スクリーンが上がると歯を模した白い山形のオブジェが現れ、その左右には大きなナイフとフォーク、いよいよヤマネコの口の中に誘(いざな)われ進んでいくというイメージを具現化していた。基本的に動きのあるシーンは全て客席前面のスペースで行い、舞台は限られた使い方をするという方法で、中嶋の演出の工夫が見られると思う。ただ、不満を言えばどうしても「学校巡演の芝居」臭さを感じてしまう。これは多目的ホールを使用する限界と言っていい。今回の公演の目的をどこに置いたのか――出来る限り多くの難聴者に見てもらうことか、学校巡演に適した作品にすることか――にもよるが、やはり会場の制約は大きい。作品の洗練度も上げるなら会場を選んでほしいというのが正直なところだ。

　2点目の違いは、字幕の使い方。前作に比べて字幕で出来ることをさらに模索したという印象を受けた。前作の場合は、大きな扉の絵以外には基本的に文字で、その文字のフォントや大きさを変えるという「漫画のオノマトペ表象」が私には新鮮だった。今回は、始まる前からエフェクトをかけた森の写真？のような画面が映し出されており、作品の世界へと観客を誘う。またBGMのタイトルを一つ一つ字幕にしていたのも前作とはちがう所。元からついていたBGMの名前かもしれないが、「まよいの旋律」とか「スキンケアのお時間」などBGMが表したい内容を表示したことは難聴者に親切である。また音符や文字がパラパラと落ちるアニメーションの字幕は、デザインとしての機能も果たしている。私たちは「文字」の役割を「内容の伝達」のみだと思いがちだが、それを記号として、デザインとして、視覚的効果を狙うオブジェにしている。前作以上に字幕の可能性を追求していて、面白い。

　3点目はラストシーンである。ほぼ原作通りだった前作に比べ、今作はまだまだ料理店から抜け出せないような余韻を残して終わる。最初に扉を開いて猟師二人を料理店に誘っていくのも、最後に扉を閉めるのも、舞台手話通訳者の野上まりである。

　実はラストシーンの違いより印象に残ったのが、野上という舞台手話通訳者の存在である。彼女は舞台手話通訳者として、登場人物のセリフを通訳する時はその話者になりきった演技をするのだが、そうでないときは俯瞰的(・・・)に(・)登場(・・)人物(・・)を(・)眺める(・・・)立場(・・)になり彼らの行動に驚いたり呆れたりといった様子を見せる。「一部でありながら全体をも見る」存在、言ってみれば「狂言廻し」である。狂言廻しとは芝居において作品の進行をさりげなく観客に伝え導く役割のことで、それ自体は珍しくない。登場人物がとつぜん観客に向かって「この時はまだ～が起こるとはだれにも分からなかったのです」などと語り「観客と同じ現実の次元」におりて物語を進行させたり理解をサポートしたりする芝居もざらにある。しかしそれを舞台手話通訳者がやるということ、この特異性に強い関心を持った。

　というのも、舞台手話通訳者を難聴者のためだけの存在として考えたら（＝健聴者はその存在を無視してもいいと考えたら）、この芝居において、作品世界と現実（観客）世界を行ったり来たりするような人物はいないことになる。ところが、野上は役者の一人でもあり、その存在感は抜群。従って、難聴者のみならずどの観客にとっても野上はなくてはならない登場人物であり、「全体を説明しながらも、時として猟師の言葉を語り、時として山猫の仲間として猟師を陥れあざ笑う」という不思議な存在を自然に受け入れることになる。中嶋はそのように演出している。

　手話通訳をする立場（対象は難聴者）でありながら、役者である（対象は全観客）、そして全体の音や声を通訳するという特殊性ゆえに、役柄を固定しないという不思議さ。実は、本作を見る1カ月ほど前に『こころの通訳者たち』という映画を見て、舞台手話通訳は「全体の通訳者であり全体の役者である」ことが求められると知ったところだった。もちろん手話ができる者なら誰でも舞台手話通訳をできるわけではなく、演出もその存在をうまく活かした上で芝居を作らねばならない。（言うまでもなく野上はかなり優れた手話通訳者であるし、演出の中嶋も舞台手話通訳の役割をしっかり把握してうまく彼女を活かしていたわけだ。）その意味でも、この舞台手話通訳者とは、従来の芝居においてはかなり斬新な存在ではないだろうか。何しろ、「部分（個々の通訳）でもあり全体（全体の通訳）でもある」、「部分（役者の一人）でもあり全体（芝居そのものを表現）でもある」存在なのだ。芝居の新しい可能性を開くことにつながる気がする。

　まだ舞台手話通訳という新しい存在は浸透していないが、難聴者だけでなく健聴者にとっても新しい芝居の可能性を開いていることが興味深い。野上まりという舞台手話通訳者の存在を得て中嶋がさらに新たな境地を拓いていくのが楽しみである。

2024年2月18日（日）13：00　＠キャナルシティ劇場

『オデッサ』

作・演出：三谷幸喜

出演：柿澤勇人、宮澤エマ、迫田孝也

音楽・演奏：荻野清子

ナレーション：横田栄司

美術:松井るみ

照明：服部基

音響：井上正弘

衣裳：前田文子

ヘアメイク：高村マドカ

映像:ムーチョ村松

演出助手：伊達紀行

舞台監督：瀧原寿子

　三谷幸喜の新作を見るのは久しぶりである。古い作品の再演は去年も1，2本見たのだが、正直なところ昨今の彼の作品にそこまで関心はない。今回見る気になった理由は、字幕を使うと知ったから。このところ私は耳が不自由な観客も芝居を楽しめる字幕の可能性について興味がある。もっとも本作はそのための字幕ではなく、他言語間のディスコミュニケーションを字幕でより明らかにするという意図であるが。

　舞台は1999年のアメリカ・テキサス州オデッサという田舎町。夜も更けたころの道路沿いのダイナーに、日本人旅行者コジマ（迫田孝也）が老人殺しの重要参考人として連れてこられる。聴収をするのは遺失物係の日系人、カチンスキ―警部（宮澤エマ）。折しも連続殺人事件が起きていて、オデッサ警察はその捜査で手いっぱいなため遺失物係の彼女が担当させられたのだ。ところが彼女を含め警察の誰もが日本語を話せず、また旅行者コジマは英語が全く分からないという。そこで地元のジムで働く日本人男性スティーブ日高（柿澤勇人）に通訳を頼み、取り調べを進めようとする。そのうちに容疑者のコジマとスティーブが鹿児島出身の同郷者だと分かり、スティーブはコジマの無罪を信じて助けるべくウソの翻訳を重ねていく…。

　役者3名の「話しぶり」がいい。日本語が全く分からないカチンスキ―役の宮沢の見事な英語と、二か国語を喋り分ける柿澤の舌の回りっぷり。しかも鹿児島弁まで登場し（柿澤にとっては三カ国語みたいなものだろう。迫田は鹿児島弁「指導」をしたらしいからネイティブかな）、言葉が本作において重要であるだけに3名の口達者ぶりが肝だが、これは見事だった。

　そのおかげもあって、字幕内容とのギャップで観客は大いに笑うことができている。字幕は背面の壁に大きく翻訳を映しだすという方法で、字幕が必要になった時には壁が少し前面に動く仕掛け。彼らの心情に合わせて字幕のフォントや大きさを変えるという効果もあり見慣れない人には新鮮に映ったようだが、難聴者向けの昨今の舞台字幕は新しい工夫にも挑戦しているので取り立てて新鮮な驚きはなかった。

　さて「言葉」を操って笑いを生み出すといえば、三谷の初期の作品『笑の大学』を思いだす。彼(か)の作品はコメディ戯曲への検閲を、「わざと」誤訳することで検閲係の権力に巧みに抵抗していこうとする話だった。本作も「言葉」を操ることで「一方的にコジマを犯人に仕立て上げている警察の権力に抵抗している」という意味では同じ。ただ二つは全く似て非なる。重要な二点が全く違うのだ。一つ目は「言葉を操ることによる面白さ」が本作は単純という点だ。相手がまったくその言語を理解しないため、操るのが簡単ということである。もちろんバレそうになる所でいかにごまかすかという面白さはある。だが仲間内だけに通じる隠語で誰かを馬鹿にするとか、通じない他言語で罵詈を投げかけるとか、そういったいじめや差別と「相手が分からないことを利用する」という点で同じ構造だと思ってしまうと、この作品の笑いの質が高くないことに気づくだろう。

　二点目は、物語の先に残るものがあるかないかという点だ。『笑の大学』は、戯曲を修正したくない作家と当局の指示に従って削除したい検閲係の攻防が、やがて友情を生み出し傑作を生み出し、――そしてクライマックスのあるコトで静かな感動を呼ぶ芝居となっていた。ところが本作では全てのウソがばれたその先にあるのが、真犯人が明らかになるというだけ。どんでん返しではあるが、早い段階で想像はつくし、あくまでも推理小説のオチでしかない。コメディは楽しければいいのかもしれないが、あの名作と同じ「言葉を操ることによるコメディ」であることを考えれば、本作が三谷の縮小再生産作品であると言わざるを得ない。

　帰りながら、本筋には関係ない、言葉に付随する「余計な力」について考えた。異国の地で母国語や出身地の言葉を聞いた時に、親近感や根拠のない信頼感が生まれる不思議（スティーブもこれに騙されたわけだ）。また、ラストでコジマがスティーブに「お前の鹿児島弁はディープじゃない、お前の英語も大したことない、英語を喋れるやつなんてごまんといて上には上がいる」といったニュアンスの捨て台詞をはくのだが、このマウントも言葉には付いてまわるもの。言葉はコミュニケーションツールに過ぎないのに、言葉ほど余計なものがくっつくものもない。そう思う一方で、宮澤エマちゃんの流暢な英語に羨ましさを感じ、字幕を見て「分かるわかる」と安心する、そんな英語コンプレックスを持ってしまう私の矛盾…。いやいやその話は横に置き、役者たちの見事な滑舌に感嘆したと結んでおきたい。

2024年2月17日（土）14：00　＠なみきスクエア大練習室

『鮭なら死んでるひよこたち』

第21回AFF戯曲賞受賞公演

戯曲：守安久二子

演出：羊屋白玉

スタンダップコメディのテキストおよび出演：遠藤麻衣、神戸浩、スズエダフサコ、羊屋白玉、田坂哲郎、リンノスケ

美術：サカタアキコ、小駒豪

衣裳：佐々木青

照明：則武鶴代

音響：安達玄

楽曲提供：羊屋白玉

舞台監督：糸山義則

プロダクションマネジメント・演出部：峯健、築山竜次（愛知県芸術劇場）

イラスト：Aokid

チラシデザイン：tami graphic design

動画制作：吉雄孝紀

記録写真：あだな

制作：糸山裕子、阿部雅子、山本麦子（愛知県芸術劇場）

制作アシスタント：丸太鞠衣絵、門司美紀（アートマネージメントセンター福岡）

　…いや何と言うか、みんな「役に立たなきゃいけない病」にかかってるんじゃないかと思うんですよ、世の中。その昔、子どもを二人産んだ友達が「私は社会に対して義務を果たした。出生率を超える人数産んだからね」と言ったのを聞いてのけぞったことがありまして。就職活動では揃いもそろって「御社（のみならず社会）に貢献したい」と熱く語ります。わかるんですよ、「自分は社会や他者に生かされている、だから自分も役に立ちたい」という気持ちは。私もそう思います。でもそれが本末転倒して「社会に役に立たなきゃ価値がない」病となって蔓延している気がするんです。生きる価値を見出したいのは人間の性(さが)ですが、そもそも誰にとっての価値で、ここで言う「社会」って何なのでしょうねぇ…？　

　――と、独り言ちてみる。どうやらこの雑多でパワフルな芝居に「巻き込まれて」しまったらしい。第21回AFF戯曲賞受賞の『鮭なら死んでるひよこたち』は、一筋縄ではいかない登場人物たちの破天荒な物語構造で、一昔前の芝居のような味がある。そこに羊屋白玉の大胆な演出が加わったことで、それぞれの人生はどれもがわちゃわちゃした舞台上の作品であるかのような印象を与えている。それは拍子抜けするほど軽やかで、人生に大仰な「意味」を与えない（誤解が無いよう先取りして言うが、人生の意味を軽んじているということではない）。誰かにとっては救い、誰かにとっては受容、また誰かにとってはチクリとした痛み、そんな作品である。

　タイトルにもある鮭とひよこが象徴的だ。劇中のセリフにもあるが、鮭は川をさかのぼり、産むために傷ついて死んで、我が子のために川にとけて養分になる。縁日で売られるカラースプレーで彩られたひよこたちは、狭い空間で餌箱の隅をつつくだけで、買われ（飼われ）ても数日しか生きられない。本作に登場する人々も同様だ。子を産み育てその挙句に家族に疎まれた人生を嘆くガリヤ夫人だったり、狭い世界で生きる無知で弱い自分を縁日のひよこに投影するチャラ男だったり、何かの大義を持って旅をしているつもりのムーと子を望んでいるフーの夫婦だったり…それぞれがそれぞれに考えて模索して選択して生きている、はず。ただそれが大きな川における（数多(あまた)いるうちの）一匹の鮭、狭い場所ではかなく鳴いている（数多(あまた)いるうちの）一匹のひよこにすぎない。　面白いのは、それなのに悲壮感や虚無感がかけらもないことだ。

　それは羊屋の演出の「わちゃわちゃ感」による。リモコンで動く木製のおもちゃの汽車が舞台上を走り（それを追いかける者がいて）、ボーイスカウトたちが舞台のあちこちでもぞもぞ何かをし、黄色っぽいライトの中で縁日も登場する。「わちゃわちゃ」と私が表現するのは、他人のことを気にせずにそれぞれの方向を見てる人たちが集まってる雑多な状況、というイメージ。彼らを見ていると、「鮭であれひよこであれ、彼らは彼らの人生を生きている、なぜならそれがやることだから」というシンプルな事実がストンと胸に落ちてくる。

　際立って本作を面白くしたのが芝居の途中で役者一人ずつがスタンドマイクに向かって語る時間。それを羊屋はスタンダップコメディに見立てたらしい。作品上の人物たちと、それを演じている役者というレイヤーの違う存在を同時に板に載せることが、「誰もがただ生きていること」を見せているようでユニークである。そのうえ、役者たちの語る内容がいい。例えばムー役の田坂哲郎は「演劇やっているアーティストとして、親でも先生でもない変なおじさんであり続けること」を語る。闘うアーティストの遠藤麻衣は「美術館で脱ぐ彼女のパフォーマンスや、田部光子の活動を通して、使われがちな『政治的』という言葉を引き合いに『ありのまま（＝裸）であること』」を語る。スズエダフサコも「子を持つこと、育てること、家族になること、主婦であること、一人の人間であること」をポップに語る。神戸浩の「体に穴が開いてしまいましたー…」は芝居の一部なのかそうでないのか分からないけれど、その言葉の鮮烈さが刺さる。役者たちが「本人として生きている言葉」をはさむことで、ニンゲンとして立って見えてくる、それが本作に見事に合致していてとても面白かった。

　まん中に据えられたシーソー。偏って、また反対に偏って、ギッコンバッタン。最後のシーンは、まっ平らになって静かに水平に回る。どちらかが落ちたまま（上がったまま）ではなく、バランスを保ちながらフラフラ真っ直ぐに、ただ水平に回っている…この優しさも含めて、「ただ生きている」が描かれている作品である。

2024年2月4日（日）14：00～　＠福岡市塩原音楽・演劇練習場

『ひなた、日本語をうたう　VOL.1』

ひなた旅行舎

構成・演出：永山智行（劇団こふく劇場）

出演：多田香織、日高啓介（FUKAIPRODUCE羽衣）

演奏・音楽：坂元陽太

照明：松本永（eimatsumoto Co.Ltd.)

音響協力：佐藤こうじ（Sugar Sound）衣裳：岡藤隆広

宣伝美術：多田香織

記録写真：宇田川俊之

制作：高橋和美（キューズリンク）

　言葉、についてのんびりと考える。意味（シニフィエ）と音声（シニフィアン）についての言語論的むずかしい話ではなく、日本語の音声(おと)について。「うた」でもなく「物語」でもなく「言葉のおと」が（それも多田香織の声で）、私の頭の中で楽し気にリフレインしている。

　本作は、「歌と演奏」「詩や物語」の8本をライブ形式で送る珍しい作品である。演者3名、坂元陽太（コントラバス）、多田香織と日高啓介（芝居＝リーディング、ギター、ハーモニカ、歌）は、立ったまま（途中、少し座ることもあるが）、3人の位置が変わることもなく、そして始終「前を向いて」観客相手に語りかけ、歌を届ける。その意味でも「演劇上演ユニット」としては特異な公演である。

　まずラインナップが巧みだ。冒頭は三好達治の「ひなうた」、題名がユニット名と重なる詩で、かつ日本語を堪能させる。そういう路線で行くのか、と思った途端に『ありがとう』（細野晴臣）の歌。歌詞の面白さに一気に場がくだけた雰囲気になる。その後の、歌もはさみながらの3本『話（小説）――或いは、‘小さな運動場’』（尾形亀之助）、『狂言・木六駄』（現代語訳・岡田利規）、『花野』（川上弘美、構成・永山智行）というリーディングの選択がなにより素晴らしい。理由は二つ。俳優の多田香織をうまく活かす作品を選んでいる、「言葉のおと」が印象に残る作品である、という点である。

　多田香織は、「軽さ」を持った俳優である（彼女の演技が軽いという意味ではない）。するりと抜けることで周りがくるんと回転させられたり、ひらりひらりと移ることで深刻さを消し去ったり、失敗も間違いにもどこ吹く風だったり――そんな軽さがある。だからふわふわキラキラした役柄も多いが、それを下地に小悪魔的な役もすっとぼけた役もできると私は思っている。本作の3つの小編は、その彼女の「軽さ」、言い換えれば多田のコメディエンヌ性が活かされていた。

　例えば『話（小説）…』では夫（日高）に向かって夫婦のあれこれを語るのだが、妻（多田）が1人であーだこーだと思考を巡らせて、喋って、独り相撲をする。その様子には深刻さがみじんもない。可愛らしくも浅はかにも逆に怖くも見える。『狂言・木六駄』は、太郎冠者役の多田のすっとぼけた感じを見て、実は彼女は狂言の笑いに向いていると驚いた。のびやかで自由で阿呆でとてもいい。『花野』にいたっては、原作の持つ物悲しさを永山が再構成することで「おかしみ」を前面に出したのだが、それがいかにもコメディエンヌ多田の軽さにぴったり。「あ、消えちゃった！」で終わるラストも含めて、永山はうまくアレンジしている。多田の良さを引き出す作品をうまく選んでいる。ただ日高あって多田の軽さが際立っていることも付け加えておきたい。

　「言葉のおと」が印象に残るという点も、多田の声によるところが大きい。『話（小説）…』では「夫婦」という言葉をハミングするように「ふーふ」と奏で、言葉が音楽になっている。『木六駄』では牛を追う時に「サセイ　ホーセイホーセイ　チャウチャウチャウ」と能天気な声をかけるが、もはや耳に心地よい「歌」である。彼女の風を含んだ高い声が、言葉を「音として」聞かせる。言葉を大切にする永山だから、俳優の多田だから、シニフィエに戯れることができているのかもしれない。「歌手ではない俳優が日本語に戯れること」の試みは、ひとまず成功しているのだろう。（ただし、歌そのものを聞かせる演目は個人的には今一つに感じた。多田の声の迫力のなさは歌を選ぶだろうし、日高の声と相性がとてもいいわけではないと思うからだ。）

　坂元の安定感のある自在な演奏、日高のリラックスさせる佇まい。本作には自由だが安心できる空気がある。